Спектакль «Только Моцарт» — постановка по пьесе Дмитрия Калинина. Спектакль был показан на сцене 45-й весной 2022 года. В качестве режиссера выступил Александр Маннин. Эта пьеса рассказывает о юном гении музыки — Моцарте, музыка которого известна не только в Париже, но и по всему миру! Несмотря на гениальность Моцарта, он очень принципиальный, и даже, когда приходит сам Король Франции, он может просто сбежать с концерта. В спектакле показываются два концерта Моцарта, на одном из которых вместо него выходит девушка — Иоганна. Тема спектакля «Только Моцарт» — это взаимодействие гениальности и власти, а также влияние музыки на общество. В целом, спектакль представляет собой драматическую историю о том, как музыка может влиять на жизнь людей и как она может быть использована для достижения великих целей.

Песни из спектакля:

• Концерт
• В мире безумных идей
• Слушай голоса
• Все это — музыка
• Эта песня еще родится

Послушать все песни: https://music.yandex.ru/album/32948641

Мы попросили актёров, зрителей, авторов текста и музыки поделиться своими мыслями по поводу песен из спектакля «Только Моцарт».

Александр Маннин, режиссёр и автор песен к спектаклю, о создании песен

«Если музыка, словно ток, заставляет тебя дышать. Опять.»

«Только Моцарт» — первый большой «постковидный» спектакль, с которым театр «Острова» вернулся на родную сцену 45-й. А еще этот спектакль своим существованием декларировал смену поколений — на место выпускников, которые определяли для меня многообразие возможностей и характеров «предыдущих лет» (Арина Затолокина, Родион Боголюбов, Соня Шпакова и другие) пришло новое поколение из класса Лены Лебедевой, которое представляло из себя яркий, энергичный и преимущественно женский ансамбль, выстроенный вокруг «главной примы будущего» — Сережи Иванова. Я наткнулся на эту пьесу еще летом, когда мы искали спектакль для финального показа в ЛТО. Мне показалось, что этот текст сможет стать неплохой площадкой для разговора о «старом» и «новом» — и, прежде всего, о «новом», поскольку большую часть времени молодой Моцарт, еще не написавший своих главных текстов, путешествует по своему подсознанию вместе с проводниками-ангелами, стремясь ответить на важнейшие для самого себя вопросы — «Что такое творчество?», «Для кого и для чего он творит?» и «Имеет ли смысл творческий поиск в обществе, в котором «культура» уже давно замещена «культом»? Мне думается, что эти вопросы должны были быть актуальны для тогдашних ребят, с которыми нам впервые предстояло сделать цельный большой спектакль (из сегодняшнего дня в это даже трудно поверить — столько времени прошло, они уже выпускаются в этом году…), плюс сам текст казался несложным, а фигура «Моцарта» — привлекательной для динамичных и местами провокационных экспериментов, поэтому — почему нет?

Музыка — это сквозная тема спектакля. Ну, правда — как говорить о «Моцарте» и не говорить о музыке? А к тому же, как это сделать интересно — вот вам загадочка! Ведь его характер и «творческий бунт» уже давно имеют в культуре узнаваемые референты — на ум сразу приходит «Амадей» Милоша Формана, где вся игривость, легкость и развязность характера настоящего гения уже давно раскрыты… Мне показалось, что говорить о Моцарте в париках и камзолах — не лучшая идея, потому что будучи перенесенной на сцену в неизменном виде «классика» неизбежно мертвеет. Классическая эстетика могла бы сковывать ребят и заставлять их подстраиваться под ощущение «высокопарности» и «значимости», а ведь сам Моцарт для своих современников был совершенно не таким — это было буквально как «рэп» для 2010-x или рок-н-ролл для 60-х, новый язык новой культуры, который для этих самых «носителей» гораздо понятнее, чем Пушкин с его слогом или многие другие уважаемые классики (вспомните, как писал о русском авангарде его современник Роман Якобсон: «Стихи Пушкина как поэтический факт сейчас непонятнее, невразумительнее Маяковского или Хлебникова»). Поэтому эстетику надо было радикально переключить — на ум сразу пришла метафора о Моцарте как о «рок-звезде» своего поколения. Ну а где есть «рок-звезда», там должна быть и «рок-музыка», которую она должна создавать.

Был бы я немного адаптивнее, пластичнее и восприимчивее, то Моцарт стал бы в этом спектакле героем нового русского рэпа. Но поскольку я вырос на другой музыке, а эту воспринимаю с трудом, пространством диалога и со зрителями, и с актерами стала именно рок-музыка — эпатаж, вызов, глэм, протест. Мне хотелось, чтобы в спектакле звучали такие композиции, которые, с одной стороны, конечно, бы, условно говоря, «качали», а, с другой стороны, развивали бы историю. Ведь по итогу на «небесах» в своем подсознании юный Моцарт должен услышать нечто «новое», музыку «Бога», от которой его музыкальные предпочтения должны кардинально измениться. Непростая задачка, согласитесь? Самостоятельно я бы с ней точно не справился — помогла прекрасный композитор Соня Гак, которая в этом спектакле играла сестру Моцарта, а также наш любимый и бесконечно талантливый Сергей Николаевич — вместе нам удалось сделать небольшое (в спектакле всего 5 песен — не люблю, когда каждые 2 минуты тормозится без причины драматическое действие) количество не «сюжетных» песен, а «песен-высказываний» — они говорят устами героев не «с другими действующими лицами», но со зрителями, и говорят о разном.

«Концерт» — это песня о сдавленном бунте и несвободе. Этакая «музыка зубовного скрежета», в которой лирический герой (музыкант, художник, шире — творец) проговаривает мысль о единственном способе освобождения — «катарсиса в моменте», очищения через «музыкальный ток», который, если и не меняет мир (который, очевидно, не изменить»), то дает возможность сбросить с себя его «тяжесть» и побыть свободным хотя бы 5 минут, пока звучит гитарный риф)) Мне песня нравится — я ее даже периодически включаю утром по пути на работу в метро, чтобы получить немного «ритма» и «электричества». Особенно было приятно, когда ребята в прошлом году (Вова, Егор, Сережа) исполнили ее своей группой на музыкальном концерте — для этого я ее и планировал, для «живого рок-концерта», а не только «для записи». Для меня по настроению «Концерт» напоминает поздние песни моих любимых «Oasis» — мне хотелось бы, чтобы на концерте в этой сцене молодой Моцарт представал таким Лиамом Галлехером, но не потому, что сам он — циник и эгоист, а потому, что его хочет видеть таким публика (ведь большую часть самого концерта никакого «Моцарта» и подавно на сцене нет.

«В мире безумных идей» — с музыкальной точки зрения моя любимая песня в спектакле. В ней во всей красе виден Сонин музыкальный талант, креативность и живая мысль. Соня довольно долго искала итоговую форму (в том числе, вместе с Сергеем Николаевичем), но результат — очень бодрый. Мне было принципиально, чтобы эту песню написала именно она — потому что этот тот самый «женский голос», который должен прозвучать искренне и честно, с болью и обидой (сестре Моцарта Нанерль не дают творить, поскольку мир ее не примет и не захочет слушать, а ее брат — уже без пяти минут рок-звезда). И в этой песне героиня Сони должна показать все богатство своего внутреннего мира, всю гамму чувств и неординарность своей личности, ее голос очень важен. И, на мой взгляд, в «Моцарте» это работает отлично.

«Слушай голоса» и «Все это — музыка» — это наши с Соней разные ответы на вопрос о том, что такое «музыка без культа», которую Моцарт слышит в глубине себя без толп, фанатов и навязанного гламурного стиля (буквально — «от Бога», который, по заветам Августина, находится не «где-то вовне», а внутри (мне эта мысль показалась очень интересной, поэтому в спектакле Моцарт путешествует не на небеса а внутрь своего «подсознания», где встречается с другими архитепическими гениями — Шекспиром, Эйнштейном, Пушкиным и другими), и, соответственно, и музыка его должна родиться «внутри» от его голоса, который он должен услышать). Мне нравится рассматривать эти две песни в паре как «синтез». Потому что это очень логично, если посмотреть, как до этого и в каком порядке звучат предыдущие песни. Концерт — такой гегелевский «тезис» (утверждение — «Невозможно свободно жить, но возможно играть концерт»), «В мире безумных идей» — антитезис, женский голос в этой истории, критика («Я должна сказать так много, но ещё молчу»). А «Слушай голоса» и «Все это — музыка» — синтез. Соединение двух этих голосов, двух разных взглядов (не случайно по изначальной задумке песню «Все это — музыка» Моцарт и его сестра должны были петь дуэтом, но в итоге, все равно исполняли ее вместе). «Слушай голоса» — песня Сони, а «Все это — музыка» – моя. Оба мы в этот период времени очень сильно увлекались Симеоном тен Хольтом, идеей метамодерна в музыке, Настасьей Хрущевой и всем вот таким (помню, как мы много об этом говорили применительно к саундтреку спектакля — тен Хольт в нем звучит и много). Как итог — медленные, простые, цикличные «неоромантические» песни, построенные на «каноне» и «полифонии». Мне нравится думать, что «Слушай голоса» — это то, как Моцарт услышал свое «бессознательное» и внутренний голос, а «Все это — музыка» — то, как он это понял. Такой вот получается синтез.

«Какую песню написать»… И правда, какую? Вот какую песню нужно написать в финале истории про Моцарта как логичный и закономерный итог его творческих поисков. Молодой Вольфганг в финале спектакля, разговаривая с такой же молодой принцессой, говорит, что он чувствует, что должен написать что-то важное, что-то особенное. Но еще не сейчас — «сейчас рано…». Так вот, что же такое должно прозвучать после таких внушающих оптимизм слов? Я прекрасно понимаю себе цену и однозначно осознаю — написать такую песню невозможно. Невозможно — и все. Для этого надо быть Моцартом, или хотя бы верить в это. А у меня на руках явно нет ни того, ни другого… Что же делать? Мне показалось интересной идеей сделать своеобразный «гимн о творческом поиске», направленный, как и сам спектакль, в «будущее», а не на «настоящее». Песню-мечту, песню-манифест, которая не должна быть сложной, но должна быть пропитана глубокой верой в будущее, резонирующей с теми, кто занимается творческим поиском (а в «Острове» таких полно). В прошлом обзоре спектакля «Радуга Зимой», когда я писал об опыте написания песни «Лето», я уже говорил о том, что песня для Островского спектакля — это попытка найти ответ на вопрос, который задает тебе «реальность», обстоятельства, вселенная — как хотите (кто во что верит). Так вот, этой песней я попытался ответить для себя на вопрос — «Как сохранить веру в творчество, искусство и (шире) в будущее сейчас? Как не замолчать, что вообще сказать? Можно ли вообще сказать что-либо в «предлагаемых обстоятельствах» (вопрос, сильно волновавший меня в год выхода спектакля и продолжающий, естественно, мучать до сих пор). Ответ получился таким, каким получился — самому мне свое творчество оценивать трудно, но, кажется, что песня нынешним Островским слушателям нравится. Мое любимое ее исполнение — финал одного из бардовских концертов, где песню пели все вместе все участники концерта. Несколько изменив ее ритм и темп, мне показалось, что их этого мог бы выйти неплохой хит. Но покажет это только время — получилось ли у меня через эту песню вступить с кем-то в диалог через это самое время…

Маша Гапонова, актриса спектакля, о переосмыслении песен со временем

«Только Моцарт» — первый спектакль под режиссурой Саша Маннина, в котором поучаствовало наше поколение. Помню, как нам было ново работать с Сашей, ведь раньше с нами ставила спектакли Лена, ну и режиссеры на «Театральном фестивале». Тематика спектакля — в том числе, музыка, поэтому она играет большую роль в нем. Из-за того, что я занималась постановкой всех танцев, получалось так, что я была одной из первых людей, которые слушали новые песни Саши, а уже на репетициях с ними знакомились и все остальные. Мне кажется, что на тот момент стиль музыки из «Моцарта» сильно отличался от тех песен, что звучали в спектаклях раньше, и на самом деле это меня не очень привлекало. Так, песня «Концерт» понравилась мне уже в процессе прогонов, хотя в самом начале я не понимала, что все в ней нашли, так же, как и в песне «Кетч» из «12 дней жизни». С детства было интересно, как так происходит, что какая-то песня становится хитом в «Острове». Благодаря этому спектаклю смогла своими глазами увидеть, как «Какую песню написать» и уже упомянутая «Концерт» сначала просто напевались после репетиций, а потом уже вошли в обиход на орлятских кругах и свечках.

Илья Корабельников, актёр спектакля, о своей любимой песне и её влиянии игры на сцене

Из всех песен в спектакле моей любимой является песня «Эта песня ещё родится». В контексте спектакля это очень яркая эмоциональная точка с прекрасным танцем и текстом, говорящим: «Пробуй писать и творить, вдохновение рядом!». Песня настраивает на созидание чего-то нового и полезного.

Самое большое влияние песни из спектакля «Только Моцарт» оказали на меня в момент генерального прогона и самого показа. Напомню, в том спектакле я играл Шута. Персонаж бесчувственный, уставший от придворных интриг, но умеющий подшутить над Королём или отвлечь его, пока тот не успел навредить людям. Но за счёт песен происходит трансформация. Они говорят о честности перед самим собой в первую очередь. А для Шута это главная цель — всегда оставаться честным. Поэтому по ходу спектакля Шут от беспристрастного наблюдателя превращается в ключевого участника событий, оставаясь в тени. Он находит свой смысл в помощи Моцарту, такому же честному человеку, как и он сам. В конце это усиливается положительным исходом. Главные герои вместе, Король снова в ярости, а новые песни буду рождаться.

Мне кажется, эта музыка вдохновляет на творчество и создаёт стремление пробовать самому написать музыку, нарисовать картину или на создание танца.

Песня «Эта песня ещё родится»:https://music.yandex.ru/album/32948641/track/130297918

Соня Рийсман, актриса спектакля, о своей любимой песне и нахождении новых подруг

Мою любимую песню «Концерт» написал, конечно же, Саша Маннин. Мне кажется, что когда я впервые её услышала, то она особо не произвела на меня впечатление.

Песня как песня, а сами эмоции в неё добавил танец от Маши Гапоновой! После этого эта песня стала очень зажигательной. Ещё мне нравится тот факт, что Саша писал эту песню, по его словам, опираясь на песни моего любимого исполнителя — Ивана Алексеева. Я думаю, что этот момент придает мне любви к этой песне! Мне кажется, что она дико драйвовая, и каждый раз, когда мы с девочками слышим эту песню, то начинаем танцевать. Это вызывает такие теплые воспоминания о том, как все было легко и просто в конце 10-го класса.

Вообще, все песни из этого спектакля напоминают мне о том времени. Какую песню не включить, мы сразу с моими девочками-подружками объединяемся и начинаем танцевать. В те моменты сразу складывается ощущение, что мы «вместе». Какой момент бы не был, песни из этого спектакля очень нас сплачивают! Наверное, так произошло, потому что это был наш первый совместный спектакль с моими любимыми девчонками из поколения, которое сейчас 11-ый класс. И как раз примерно с того момента мы и начали так близко общаться. Поэтому все песни оттуда ассоциируются с моими прекрасными подругами!

Песня «Концерт»: https://music.yandex.ru/album/32948641/track/130297913

Стас Судилин, актёр спектакля, о самой любимой песне из спектакля

Для меня, думаю, самая важная песня из этого спектакля — это «В мире безумных идей». Мне кажется, что это не самая популярная песня из этого спектакля, хотя, думаю, далеко не все смогут назвать что-то кроме «Эта песня еще родится», но однозначно самая близкая для меня. Этим произведением завершается важная для развития двух персонажей сцена. Дочь высказывает все свои недомолвки, чувства, обиды отцу и делает это не только через реплики, но и через музыку: «позволь я прикоснусь к искусству». И на самом деле, строчки из текста песни применимы совсем не только к родительскому и детскому конфликту, но и к любому конфликту, связанному с нежеланием услышать. Смыслы, фразы — все это очень откликается во мне. С удовольствием слушаю эту песню и настоятельно рекомендую и вам.

Песня «В мире безумных идей»: https://music.yandex.ru/album/32948641/track/130297914

Соня Гак, актриса спектакля, о написании песен

Этот спектакль очень много значит для меня. В то время я готовилась к поступлению в театральный, ходила на курсы, к поступлению на актёрский факультет, и мне было очень любопытно интегрировать опыт, полученный у профессиональных актеров, на сцену любимого Острова.

Для спектакля написала 2 песни: «В мире безумных идей» и «Слушай голоса». Они родились как бы сами собой. Первая — песня Нанерль, моей героини. Это очень помогло мне понять, про что я пишу до спектакля, а на сцене — играть и понять, про что я пою. К тому же, по сюжету Нанерль и написала эту песню. Так что получается, круг замкнулся.

«Слушай голоса» была своеобразным экспериментом, который я сотворила в программке на телефоне, записал своим голосом все партии. Делая аранжировку, мы с Сергеем Николаевичем почти ничего не изменили. Вообще процесс создания аранжировок песен и записи голосов был невероятно интересным и творческим! Также я была руководителем вокальной группы (Нина Климова, Майя Кругликова и я) — это тоже было очень интересно. Мы репетировали везде, где было можно и нельзя. Вспоминаю с трепетом это время.

Агата Стоклицкая, зритель, о самой «запоминающейся» песне

На этот спектакль я пришла, когда еще училась в пятом классе. И то потому, что там принимали участие мои режиссёры. Но в итоге вообще не пожалела, что пришла. После еще две недели восторженно рассказывала родственникам, как это было круто и почему им тоже стоит посмотреть.

На тот момент мне больше всего понравились именно песни. Хоть их было и не много, они стали ярким акцентом.

Особенно на меня произвела впечатление песня, которая прозвучала в самом начале и сразу задала атмосферу всему спектаклю. Она называется «Концерт». Название действительно говорящие. В ней говорится о том, что успех и счастье не всегда искренни и что за ними могут скрываться настоящие проблемы. Песня также подчёркивает ценность настоящих чувств любви и свободы, которые не могут быть куплены, а могут быть достигнуты через личностный рост и изменения.

Песня «Концерт»: https://music.yandex.ru/album/32948641/track/130297913

Надеемся что выпуск пришёлся вам по душе! Ждите обзоры на другие альбомы. Ближайший — обзор на спектакль «Дракон».

АВТОР: ТЕМУР ЦУЛЕИСКИРИ